Interviu: Artistul Jane Lee

Artista din Singapore, Jane Lee, este cunoscută pentru munca sa inovatoare în picturi. Ea întoarce continuu mediul tradițional pe cap, explorând noi posibilități în prezentarea picturilor ca opere de artă nerestricționate de limitele pânzei.

Pentru reședința finalizată recent la Singapore Tyler Print Institute (STPI), Jane a luat o pauză de la pictură în favoarea experimentării cu alte media și a creat un corp nou de lucru care va surprinde și încânta publicul familiar cu lucrările sale din trecut.

Art Republik stă alături de Jane pentru a afla mai multe despre dragostea ei pentru pictură, despre evoluția operei sale de-a lungul anilor și despre spectacolul său, „Liber liber” la STPI, care va avea loc în timpul săptămânii de artă din Singapore la începutul acestui an.

Stare, 2009

Cum a evoluat munca ta de-a lungul anilor? Ce vă schimbă munca din bucată în bucată?

Nu aveam idee că voi deveni un artist cu normă întreagă; Îmi doream să devin designer de modă. Așa că, oricum, am început cu pictura. Ideea picturii este că este un obiect bidimensional pe perete, dar mi-am văzut treptat pictura ca instalații. Pentru mine, peretele pe care este montat tabloul este parte a lucrării, deoarece orice este în jurul picturii interacționează cu acesta.

Ce face să pictezi un mediu atât de convingător pentru a lucra?

Îmi place culoarea și îmi place senzația de a mă juca cu vopsea. Chiar și mirosul de vopsea mă atrage. În urmă cu aproximativ 10 ani, când am devenit serios în ceea ce privește pictura, am început să mă întreb care este esența picturii. M-am întrebat dacă există alte modalități de a realiza tablouri și m-am uitat la procesul și tehnicile tradiționale care au intrat în realizarea unui tablou. Așa am început să joc cu mediumul.

Păsări în colivă, 2015

Ne puteți plimba prin procesul de creare a unei opere de artă, de la concept până la execuție?  

Sunt foarte mult o persoană practică. Când am început să pictez modul tradițional, am planificat mult și m-aș așeza și am crea compoziții pentru lucrările mele. Toate acestea s-au schimbat în 1999, când am mers la Londra pentru a afla mai multe despre arta contemporană. Am participat la un atelier în care lectorul a aruncat vopsea pe hârtie și am instruit clasa să se joace doar. A fost un deschizător de ochi pentru mine. Și asta a devenit ceea ce voiam să fac. Am ajuns să-mi dau seama că până la momentul în care am planificat totul, într-adevăr nu va exista viață în lucrare. Am început să merg mai mult cu instinctele mele și să mă joc.

De unde știi când o lucrare de artă este finalizată?

Presupun că o operă de artă nu poate fi niciodată terminată cu adevărat. Dacă o lucrare îmi vorbește, este terminată. Este mai emoțional decât intelectual. Vorbesc mult cu tabloul meu. Este un proces interactiv. Picturile sunt într-un fel vii, chiar dacă nu vorbesc. Au anumite tendințe. Există un fel de negociere între artist și lucrare în procesul de realizare a artei.

Set Me Free VI, 2015

Cum te gândești la alegerea instrumentelor pe care le folosești pentru a-ți realiza operele de artă?

În mod tradițional, picturile sunt realizate folosind pensule și, de cele mai multe ori, nu ar spune o poveste. Găsesc instrumente din viața mea de zi cu zi, cum ar fi ustensile de bucătărie, pentru a-mi face arta.

Ne puteți plimba prin procesul de realizare a unei opere de artă?

Ei bine, dimineața, când ajung în studioul meu, s-ar putea să mă simt destul de fericit și să vreau să folosesc roșu strălucitor, dar pe măsură ce ziua avansează și poate ascult cântece, atunci starea mea de spirit se poate schimba, iar apoi pictura mea se poate dovedi puțin întunecat. Nu-mi place să forțez nimic să se întâmple. Într-un fel, dezvoltarea unei munci depinde de cum mă simt într-o anumită zi.

Cât timp vă durează pentru a finaliza o lucrare de artă?

Pentru lucrări mari, poate dura șase luni până la un an. Uneori, lucrez la o piesă și apoi la jumătatea drumului, nu există flux de energie și, aș fi pus-o deoparte deocamdată și să mă întorc la ea la o dată ulterioară.

Coiling VI, 2015

Aruncați vreo lucrare?

Mulți.

Cum decideți ce să păstrați?

Doar știi.

Este procesul de a face opera dvs. de artă mai importantă decât aspectul produsului final?

Aș spune că dacă este peste 100%, procesul contează pentru 80%, iar produsul final pentru 20%.

Vrei ca oamenii să fie curioși în legătură cu procesul?

Desigur. Ar fi minunat să privim dincolo de suprafață și culori. Vreau să-i fac să pună mai multe întrebări despre pictură ca mediu și despre procesul de realizare a unui tablou.

100 de fețe, 2014

Ați putea vorbi despre rutina de zi cu zi ca artist?

Îmi încep ziua cu yoga și meditație. Acest lucru este important pentru a mă menține mai în ton cu mine. Apoi merg la studioul meu și încep să lucrez. Modul în care lucrez depinde de termenele pe care le am. Dacă mă grăbesc și trebuie să lucrez foarte intens, să spunem pentru un spectacol solo, aș refuza apoi să mă întorc în studio după aceea pentru o perioadă destul de lungă. Acestea fiind spuse, mintea mea se gândește mereu, se uită în jur, caută inspirație din viața mea de zi cu zi, indiferent dacă este de la o plimbare dimineață sau într-o conversație cu cineva.

Doriți inspirație să mergeți la muzeu sau să participați la expozițiile altor artiști?

De fapt, evit să văd prea mult din lucrările altor artiști. Dacă vedeți prea mult, uneori anumite lucruri care îmi plac se vor filtra în mod inconștient în activitatea mea. Viața de zi cu zi este sursa mea de inspirație, fie că este de la o plimbare de dimineață sau dintr-o conversație cu cineva. Lucruri pe care le văd în jurul meu, ce spun oamenii - acestea sunt lucrurile mici care sunt sursele mele de inspirație.

Ai avut artiști la care te-ai uitat când ai început?

Acesta ar fi Robert Ryman. Ceea ce este fascinant pentru el este că nu este pictor antrenând. Cred că, deoarece nu are povara de a ști ce ar trebui să facă un pictor, este în stare să vină cu lucrările sale de artă revigorante.

Trezirea, 2015

Dar credeți că este important să învățați mai întâi elementele de bază?

Cred că cunoștințele fundamentale pot servi bine unui pictor în furnizarea de cunoștințe tehnice, cum ar fi amestecarea culorilor. Cu toate acestea, odată ce aceste abilități sunt învățate, este probabil doar atunci când sunt renunțați să se creeze ceva nou.

Ce vine mai întâi: titlurile tablourilor tale sau ale tablourilor în sine? Cum funcționează titlurile, precum „Status” (2009) din colecția permanentă a Muzeului de Artă din Singapore sau „100 de fețe” (2014), în cadrul expoziției dvs. solare de la Galeria Sundaram Tagore, Singapore, împreună cu picturile dvs. pentru comunicați cu publicul?

Cu „Status”, am pus la îndoială starea picturii. Unul dintre curatorii pentru Bienala de la Singapore din 2008 mi-a spus că voi fi singurul pictor care expune. Această conversație a rămas cu mine. Mi s-a părut surprinzător faptul că au existat atât de puțini pictori pe scena artei, când cei mai mulți artiști probabil au început să fie instruiți ca pictori. M-am gândit atunci că, probabil, pictura ca mediu era moartă și nu mai era loc pentru a juca. Opera de artă este o explorare a stării picturii în scena de artă contemporană regională.

Cu „100 de fețe”, îmi aduc aminte că oamenii erau dornici să arate tablouri mari care erau foarte grele. Am decis să-mi defalc lucrările într-un număr de 100 de piese mai mici și mai puțin grele, care ar putea fi reunite într-un tablou mare. În plus, a fost și un comentariu cu privire la modul în care un tablou ar putea avea multe fețe sau că ar putea exista multe moduri de a crea un tablou și, în plus, că oamenii au diferite personaje care apar în compania diferitelor persoane.

Împărtășiți publicului larg aceste povești despre crearea acestor opere de artă?

În mod normal, nu aș împărtăși, deși oamenii ar cere, aș fi bucuros. Nu vreau să impun prea mult privitorului și să dicteze ceea ce văd în operele de artă.

Doar un moment, 2015

Să vorbim despre noile tale lucrări la STPI, care nu sunt axate pe tablouri. Este o nouă direcție pentru tine. Este o decizie conștientă?

Vroiam să ies din pictură o perioadă, dar nu găsisem nicio scuză pentru a face acest lucru. M-am gândit că aceasta ar fi o șansă bună de a explora totul, în afară de pictură și de a folosi bine facilitățile de la STPI. Momentul bun a fost invitat în acest moment.

De ce titlul „Liber, liber”?

Mi-am dorit un titlu pozitiv pentru spectacol. Abordarea mea de a-mi face arta este una fericită. Să fii prins și să fii liber sunt două teme din expoziție. Cu seria „Înveliș”, de exemplu, procesul de înfășurare a hârtiei poate oferi unul sentimentul de a fi prins. Pinii din bobine dau o expresie vizuală mai puternică de a fi prinși. Pe unele dintre lucrări, există păsări așezate pe ace, care ar putea fi văzute ca simboluri ale libertății.

În afară de lucrările de hârtie, ați lucrat și cu acrilic în spectacol. Cum a ajuns să fie asta?

Echipa de la STPI este foarte deschisă la idei. Am decis să experimentez liber și am inclus video și animație, precum și hârtie combinată cu alte suporturi, cum ar fi hârtie cu sunet și hârtie cu acrilic.

Cum a împins echipa de la STPI practica artistică?

În cea mai mare parte a carierei mele, am lucrat singur în studioul meu. Adesea, când am aceste mici idei nebunești, dacă sunt eu singur, ar fi dificil și poate dura mai mult și nu mă apuc să lucrez la ele. Lucrul aici la STPI m-a scos din zona mea de confort. Echipa de oameni capabili de aici m-a ajutat să fac brainstorms și să văd posibilitățile, iar ideile mele ar putea fi realizate într-un timp foarte scurt.

Crezi că după acest spectacol, îți vei aborda diferit practica?

Sunt un pictor la inimă și încă mai există loc de jucat cu vopsea. În ceea ce privește ce tip de pictură și dacă va fi similar cu ceea ce am făcut, nu sunt sigur. Ceea ce am descoperit aici la STPI ar avea cu siguranță un anumit impact, dar chiar nu pot răspunde la acest moment. Îmi place ideea de a nu știu. Dacă aș ști deja, nu aș face-o. Vreau să încânte și să încânte spectatorul, dar pentru a face asta, trebuie să fac asta pentru mine în primul rând.

Credite de poveste

Text de Nadya Wang

Acest articol a fost publicat inițial în Art Republik.

Imagini amabilitate de STPI